L’exposition “Disney 100 l’exposition” à Paris

À l’occasion du centenaire de “The Walt Disney Company” créée en 1923, l’exposition itinérante depuis 2023 est arrivée en France du 10 avril au 5 octobre 2025 au Parc des Expositions de Paris Porte de Versailles.

Horaires : du 10 avril au 5 octobre 2025, tous les jours de 10h00 à 1800 (19h00 les samedis, dimanches et jours fériés), entrées toutes les demi-heures
Tarif : 28,90 € adulte, 23,90 € enfant
Temps de visite : 1h15 minimum

L’exposition présente plus de 250 objets et 14 installations interactives et 9 galeries thématiques pour faire revivre 100 ans d’histoire de la Walt Disney Company.

Disney 100 l’exposition

Cent ans, c’est beaucoup, le nombre de dessins animés, films, de courts ou moyens métrages, personnages, objets, est immense, et encore plus depuis l’entrée dans la famille Disney de Pixar, Star Wars et Marvel, et il était impossible d’être exhaustif. Le visiteur peut s’attendre à autre chose mais il fallait faire une sélection et offrir quelque chose d’original et d’inédit. Le connaisseur y redécouvre des choses, le spectateur en apprend, le novice découvre des pépites, mais le fan en voudra plus ! Quant aux visiteurs n’aimant pas Disney ou n’en ayant jamais vu, il peut s’ennuyer. Par contre contrairement à certains avis lus par ci par là, l’exposition n’est pas réservée aux enfants et intéressera toute la famille de tous âges ! Nous espérions davantage d’objets, de statues de personnages, et moins de textes et dessins…. Mais forcément, c’est habituel à Paris, l’entrée à 28,90 € est trop chère !

Au commencement

Il y a 100 ans, le jeune cinéaste Walter Elias Disney signait un contrat pour produire une série de courts métrages mêlant prises de vues réelles et animation, créant avec son frère Roy le Disney Brothers Cartoon Studio. Ce studio allait devenir connu dans le monde entier sous le nom de The Walt Disney Company.
Les idées et les philosophies de Walt sont deve­nues la base de courts et longs métrages d'anima­tion, de musiques mémorables, de films d'action en prises de vues réelles, de documentaires sur la nature, d'émissions de télévision, de parcs à thème, d'expériences et bien plus encore au fil du temps.

• Tout commence avec l'art de raconter une histoire. C'est l'essence même de la magie Disney.
• Walt Disney a déclaré : « Tant qu'un personnage n'a pas une personnalité, il n'est pas crédible. Sans personnalité, le personnage peut faire des choses drôles ou intéressantes, mais à moins que les gens ne soient capables de s'identifier au person­nage, ses actions sembleront irréelles. Et sans personnalité, une histoire ne peut pas sembler vraie pour le public »
• La curiosité inspire un esprit d'aventure et de découverte.
• Utiliser la musique pour créer des ambiances, et des chansons pour exprimer nos sentiments les plus intimes.
• Explorer les merveilles du monde naturel.
• Rendre possible l'impossible.
• Inventer une expérience immersive pour tous les âges, et axée sur la narration.

Au commencement – les années 1920 à 1940

 

les années 1950-1960 – les années 1960-1970

les années 1980-1990 – les années 2000-2020

Portrait d’une souris

En 1953, alors que Mickey Mouse allait avoir 25 ans le 18 novembre, Walt Disney a encour­agé quelques artistes du studio à dessiner Mickey et à lui présenter leur dessin pour une sorte de concours interne. Une peinture à l'huile de John Hench a gagné. Sur cette toile, on voit Mickey dans un bureau, qui ressemble un peu à celui de Walt, entouré de certains des prix que ce dernier a remportés exposés en arrière-plan. La peinture de John Hench était accrochée dans le bureau de Walt et devien­dra bientôt le portrait officiel de Mickey... et le début d'une tradition.
Pour le 95ème anniversaire de Mickey, le 18 novembre 2023, les Walt Disney Archives et D23 : The Officiai Disney Fan Club ont demandé à l'artiste Bret Iwan de peindre le 8ème portrait officiel de Mickey. Bret Iwan est également la quatrième et actuelle voix anglo­phone officielle de Mickey, après Walt Disney qui prêtait sa voix au personnage à l'origine, et ses successeurs, Jimmy MacDonald et Wayne Allwine. Après avoir réalisé des portraits de Mickey pour le programme Fine Art de Disney, Iwan a déclaré : « J'admirais cette tradition commencée par John Hench en 1953… Pour célébrer les 100 ans de Disney, "Swept up in the Magic" (Emportés par la magie) est mon hommage à tous ceux et celles qui ont déjà prié la bonne étoile... en commençant par un simple trait de crayon, transformé par la magie et tourné vers l'avenir... Mickey (et moi) espérons que vous aurez toujours le courage de rêver grand. »

Portrait d’une souris

Les premiers courts-métrages muets

En 1921, alors qu'il travaille pour la Kansas City Film Ad Company, Walt commence à réaliser des films d'animation muets d'une minute avec des croquis rapides et des gags, reflétant les problèmes locaux de Kansas City. Il les produit depuis le garage de la maison familiale. Walt les appelle les « Newman Laugh-O-grams », car ils sont destinés à être projetés avant un long métrage dans trois cinémas de Kansas City appartenant à l'imprésario de théâtre Frank Newman.
Lui et un autre artiste, Fred Harman, commencent également à expérimenter avec la photographie truquée.

En 1922, Walt décide de faire des dessins animés plus longs de six ou sept minutes. Il s’agit de versions contemporaines et humoristiques de contes de fées bien connus. En mal 1922, le cinéaste de 20 ans crée un nouveau studio, Laugh-O-gram Films, Inc., pour produire ces films, ainsi que des courts métrages en prises de vues réelles et des films éducatifs, et même un « Song-O-Reel » pour que les organistes de théâtre puissent jouer pendant que le public chante avec eux. Il embauche une petite équipe pour l'aider à créer les contes de fées Laugh-O-gram. 

mégaphone utilisé par Walt Disney pour Laugh-O-Gram Films en 1923

Les Alice Comedies

En signant un contrat le 16 octobre 1923 pour produire une série de courts métrages muets qui mettent en scène une fille vivante et réelle et ses aventures à Cartoonland, Walt Disney marque la fondation de The Walt Disney Company.
L'intérêt de Walt pour la combinaison de l'action en prises de vues réelles et de l'animation a été suscité par le dessin animé populaire Out of the Inkwell, où le personnage Koko le Clown quitte la page pour interagir avec son créateur en direct, Max Fleischer. Le rebondissement de Walt change la donne : placer la vraie Alice dans un monde de dessin animé.
Avant de quitter Kansas City pour Hollywood, Walt a réalisé un film pilote avec la charmante Virginia Davis, âgée de 4 ans, dans le rôle d'Alice. Le contrat spécifiait que Virginia était Alice, alors Walt a convaincu ses parents de l'amener à Los Angeles pour faire la série.
Walt et son équipe ont réalisé 56 Alice Comédies à Hollywood, de 1923 à 1927. Le film pilote, Alice's Wonderiand, n'est pas sorti en salles. Virginia Davis a joué Alice pendant les deux premières années, puis Dawn O'Day, Margie Gay et Lois Hardwick ont repris le rôle. En 1927, Walt s'est lassé de la série combinée et s'est concentré sur des dessins animés entièrement dessinés, mettant en scène pour Universal Pictures un nouveau personnage audacieux : Oswald le Lapin Chanceux.

affiche de sortie en salle de Alice’s Fishy Story en 1924

 

Télégramme 

En février 1928, Walt et sa femme, Lillian, prennent le train pour New York afin de poursuivre les négociations pour la série de dessins animés Oswald le Lapin Chanceux avec Charles Mintz (qui avait épousé la distributrice originale de Walt, Margaret Winkler) et Universal Pictures, qui s'occupe de la distribu­tion en salles.
A l'insu de Walt, Mintz avait l'intention de s'emparer de son studio et de produire lui-même les dessins animés. Mintz avait déjà engagé plusieurs des principaux animateurs de Walt, et dans ses relations avec Universal, il s'était assuré que Walt n'avait aucun droit de contrôle sur Oswald, le personnage que Walt et son studio avaient créé. Il offrit à Walt l'opportunité de continuer à travailler sur la série en tant qu'employé. Walt espérait qu'Universal, qui reconnaissait son talent, accepterait de le laisser faire la nouvelle série, mais leur contrat avec Mintz les a obligés à refuser.
Walt a stoïquement accepté la défaite, mais il ne l'a pas laissée dicter la suite. Lui et Lilly remontèrent à bord du train pour Los Angeles, sans personnage, sans personnel (à l'excep­tion de son frère Roy et de quelques artistes comme Ub Iwerks qui n'avaient pas signé avec Mintz), et sans autre travail que de terminer les dernières caricatures d'Oswald encore dues. Juste avant le départ, il envoya un télégramme à Roy. Il était déterminé à tout recommencer.  

Zootrope venant du bureau de Walt Disney dans “L’Histoire d dessin animé” de 1955

 

Page d’esquisse de l’histoire Tall Timber de 1928, crayon de couleur et graphite sur papier et nettoyage de l’animation Sky Scrappers de 1928, reproduction graphite sur papier -
set de pochoir Oswald le lapin chanceux, fabriqué par Universal Toy & Novelty en 1928 et affiche conceptuelle The Ol’Swinnmin’ Hole de 1928, aquarelle sur papier de Hugh Harmann et Carman “Max” Maxwell

Les origines de Mickey et Minnie

Walt Disney racontait cette histoire de la créa­tion de Mickey : « Il est sorti de mon esprit sur un bloc-notes... lors d'un trajet en train de Manhattan à Hollywood, à une époque où les finances de mon frère Roy et les miennes étaient au plus bas et où le désastre semblait imminent. »
Walt a exploré des idées pour un nouveau personnage avec Roy et les animateurs Ub Iwerks et Les Clark. « Nous voulions quelque chose d'attrayant, et nous avons pensé à un tout petit bout de souris qui aurait quelque chose de la nostalgie de Chaplin - un petit gars essayant de foire de son mieux », a-t-il dit. Le résultat de leurs discussions peut être vu sur les premiers dessins connus de Mickey — et de Minnie aussi !
Deux dessins animés muets de Mickey, Plane Crazy et Mickey Gaucho n'ont pas été rete­nus ni lancés. Puis Walt a décidé d'ajouter un son soigneusement synchronisé à un troisième dessin animé présentant Mickey. Steamboat Willie est sorti le 18 novembre 1928 et a immédiatement fait sensation. D'autres dessins animés sonores, ainsi que des produits dérivés, des bandes dessinées, des livres et des clubs pour enfants ont suivi. Walt reçut plus tard une statuette spéciale des Oscars® pour la création de Mickey. 

page de script de l’histoire Steamboat Willie de 1928, graphite encre sur papier -
nettoyage de l’animation Steamboat Willie de 1928, reproduction graphite sur papier et le plus ancien dessin connu de Mickey Mouse et Minnie Mouse de 1928, reproduction crayon de couleur et graphite sur papier (collection de Walt Disney Family Foudation)

Les copains de Mickey

• Minnie Mouse

Walt a un jour décrit Mickey comme un imprésario, « partageant sa vedette avec de nombreuses nouvelles personnalités. » Dans les premiers films, Minnie jouait souvent une demoiselle en détresse, ce qui permettait à Mickey d'être le héros. Cependant, elle a toujours eu une attitude indépendante. Plus tard, elle a joué dans un clip vidéo avec Elton John et est devenue une icône de la mode. Elle et Mickey servent également d'ambassadeurs mondiaux pour les parcs Disney, et de capitaines des navires de la Disney Cruise Line.

• Pluto

Pluto est d'abord apparu en 1930 comme un chien sans nom dans La Symphonie enchaînée, puis a été le chien de Minnie à son apparition suivante avec le nom de « Rover ». Depuis, il est devenu le fidèle animal de compagnie de Mickey.

• Dingo / Goofy

Dingo apparaît dans Mickey au théâtre (1932). Sa confiance inébranlable et son physique détendu ont fait de lui la star parfaite pour une série de dessins animés « How To... » - qui sont en réalité des films « How Not To... ».

• Donald Duck

La première apparition de Donald a eu lieu en 1934 dans la Siliy Symphony nommée Une Petite poule avisée mais il est rapidement devenu un favori du public, jouant dans sa propre série de dessins animés. Il est vantard, sûr de lui et s'amuse beaucoup aux dépens des autres. Il est extrêmement colérique - et nous adorons le voir se mettre dans une rage inexpliquée !

• Daisy Duck

Daisy a fait ses débuts dans le rôle de senorita « Donna Duck » dans Don Donald (1937). Elle est séduisante et confiante et, plus récemment, a affiché une une position indépendante et libérée. 

Les copains de Mickey

La série Silly Symphony

« En même temps que Mickey, Disney a sorti une série de courts métrages d'animation qui ont créé un univers de conte de fées encore plus audacieux, plus excentrique et plus diversifié que la série Mickey Mouse. Les Silly Symphonies ont suivi Mickey de moins d'un an, mais c'est principalement grâce à eux que les critiques ont décrit Disney non seulement comme un pionnier, mais aussi comme un artiste populaire travaillant en marge de l'art sérieux. » —Les historiens du cinéma Russell Merritt et J. B. Kaufman.
L'idée de la série a commencé deux mois avant la sortie de Steamboat Willie. Le compositeur Disney, Carl Stalling, a suggéré une deuxième série de dessins animés construite autour de chorégraphies de danse et de musique classique. Walt a été intrigué et a commencé à travailler sur La Danse macabre, qu'il a finalement réalisé lui-même. La partition de Stalling y intégrait habilement des mélodies d'œuvres classiques bien connues. La Danse macabre, sortie en août 1929, a été un énorme succès auprès du public. Étant donné que chaque Silly Symphony traitait d'un nouveau sujet, sans personnage permanent, les artistes Disney devenaient libres d'explorer de nouvelles histoires, des fables, des contes de fées, des mythes et des récits pour enfants créant une véritable atmosphère. Disney a réalisé 75 Silly Symphonies et a régulièrement remporté des Oscars® pour ces dessins animés parus de 1932 à 1939. 

la série Silly Symphony de 1929

L’héritage de Walt Disney

« En réalité, Je ne peux pas croire qu'il existe des sommets qui ne peuvent pas être gravis par un homme qui connaît le secret de la réal­isation des rêves. Ce secret bien particulier, me semble-t-il, peut se résumer en quatre C, qui sont : la Curiosité, la Conviction, le Cour­age et la Constance. Et le plus important d'en­tre eux est la conviction. Quand vous croyez une chose, croyez-la jusqu'au bout, implicite­ment et de façon inconditionnelle. » — Walt Disney
Bien que Wall Disney soit décédé le 15 décembre 1966, les philosophies qu'il a établies sont les pierres fondamentales du Disney d'aujourd'hui et de celui de demain.
Watt a dit un Jour que sa plus grande récompense était d'avoir pu construire « cette merveilleuse organisation, et de foire en sorte que le public apprécie et accepte ce que j'ai fait toutes ces années ». En août 1966, il a parlé de Disneyland avec des mots qui finirent par décrire son vaste héritage : « Eh bien, je pense que maintenant, mon personnel, mon jeune groupe de cadres, les autres, sont convaincus que Walt a raison. Que la qualité reste. Je pense donc qu'ils vont s'en tenir à cette politique parce qu'elle a fait ses preuves. Donnez aux gens le meilleur de vous... Je pense qu'ils sont convaincus, et je pente qu'ils vont s'y tenir après… eh bien… après Disney. »

D’où viennent les histoires ?

« Il était une fois... » Ces mots magiques ont captivé les auditeurs pendant des siècles, qu'ils soient chantés par des bardes itinérants ou lus aux enfants avant de se coucher. Nous sommes enchantés par les histoires ; elles nous sortent de notre quotidien. La narration fait partie de la communication humaine, qu'il s'agisse d'images peintes sur les murs d'une grotte ou d'histoires racontées autour d'un simple feu de camp. Les histoires unissent les cultures et les générations.
Les fables et les contes de fées délivrent des leçons morales, comme l'importance de la gentillesse et de la générosité, de la beauté intérieure plutôt que la simple apparence, du désir profond que le bien l'emporte sur le mal. Nombre de ces histoires sont devenues des films d'animation classiques de Disney, à commencer par Blanche-Neige et les Sept Nains en 1937. « Le conte de fées adapté au cinéma, créé avec la magie de l'animation, est l'équivalent moderne des grandes paraboles du Moyen Âge », a déclaré Walt Disney. « On parle de création et non d'adaptation, ni de version. Nous pouvons traduire l'ancien conte de fées dans son équivalent moderne sans perdre la belle patine de sa qualité d'autrefois… Nous avons prouvé que le type de divertissement séculaire basé sur le conte de fées classique ne connaît pas de notion de temporalité. »
Disney s'appuie sur les contes classiques et apporte des éléments de contes de fées, nés des traditions de cultures internationales, dans des films comme Vaiana, la légende du bout du monde (2016), Raya et le Dernier Dragon (2021), Encanto, la fantastique famille Madrigal (2021) et Alerte rouge de Disney et Pixar (2022). Toutes sortes de livres et de textes littéraires, de légendes, de mythes, d'histoires vraies et d'événements historiques, y compris des bandes dessinées, inspirent des histoires complètement nouvelles et des aventures au cinéma qui établissent des liens émotionnels avec tous les publics.
Ce qui rend Disney si unique, c'est que les histoires que nous racontons ont un sens pour les gens. Elles nous inspirent, donnent de l'espoir, nous rassemblent, illuminent le monde qui nous entoure et créent des souvenirs. C'est la magie de Disney.

Blanche-Neige et les sept nains

Lorsque Walt Disney a commencé à envisager de faire un long métrage d'animation, il s'est souvenu qu'adolescent, il avait vu le film muet de Blanche-Neige avec Marguerite Clark. « J'ai pensé que c'était une histoire parfaite. Il y avait ces nains sympathiques, voyez-vous. Je tenais quelque chose. Je tenais le prince, la femme et la romance. »
Walt savait que ce ne serait pas facile à accomplir. Ses artistes avaient l'habitude de faire des courts métrages. « Il ne pouvait pas y avoir de compromis sur l'argent, le talent ou le temps. » Il a organisé des cours d'art pour son équipe afin qu'ils puissent créer des personnages humains crédibles. Le studio a filmé des séquences de référence en prises de vues réelles avec des acteurs costumés jouant des scènes clés. La musique et les chansons ont enrichi la narration. Les nouvelles techniques et technologies ont créé des décors réalistes pour l'histoire.
Chaque nain avait une personnalité distincte, avec un nom et une attitude assortis : Prof, Grincheux, Joyeux, Dormeur, Atchoum, Timide et l'adorable Simplet. Après 4 ans de travail, Blanche-Neige et les Sept Nains est devenu un véritable conte de fées hollywoodien. Non seulement le film est entré dans l'histoire du box-office, mais II a également été honoré d'un Oscar® spécial, composé d'un Oscar® grandeur nature et de sept statuettes « naines ». 

livre d’histoires : Blanche-Neige et les sept nains de 1937 

développement et croquis de Blanche-Neige et les sept nains de 1937 – Simplet

Pinocchio

modèle d’animateur de la marionnette en bois Pinocchio de 1940

 

développement du personnage Pinocchio de 1940, graphite sur papier et développement visuel de Pinocchio graphite, encre et aquarelle opaque sur papier -
costume utilisé pour le tournage de référence en prise de vues réelles de Pinocchio de 1940

La Belle au bois dormant

La Belle au bois dormant, basé sur le récit que l'auteur français Charles Perrault fait du conte de fées classique, introduit l’un des grands méchants de Disney : la méchante fée Maléfique. Feignant la déception de ne pas être invitée au baptême de la princesse Aurore, elle se venge en invoquant une terrible malédiction : « Avant l'aube de ses 16 ans, elle se piquera le doigt à la pointe d'une quenouille et en mourra. » Maléfique est La personnification du mal : cruelle, orgueilleuse et puissante.
Marc Davis, Disney Legend, a conçu et animé le personnage, qui est à la fois attrayant et repoussant, décrit par les animateurs contemporains comme étant « d'une beauté cauchemardesque ». Bien qu’elle ait un temps d'écran limité, elle domine chaque scène dans laquelle elle apparaît. Même lorsqu'elle n’est pas à l'écran, elle reste une présence puissante tout au long du film. Dans la bataille finale, pour laquelle elle se transforme en un dragon monstrueux, elle n'est vaincue que par l’épée de vérité du prince Phillip et le bouclier enchanté de la vertu, assurant ainsi que le mal périsse et que le bien perdure.
Au fil des années, le livre qui a servi d'ouverture à La Belle au bois dormant a commencé à se détériorer. Il a été soigneusement traité et restauré en 2011 par le département de conservation de la bibliothèque Huntington à San Marino, en Californie. Nous sommes ravis de présenter un « Livre magique » constitué de toutes ses pages intérieures. 

développement visuel de La Belle au bois dormant de 1959 et développement de l’histoire  de La Belle au bois dormant -
livre d’histoires : La Belle au bois dormant 

Cendrillon

Après la Seconde Guerre mondiale, Cendrillon a marqué le retour de Disney aux longs métrages d'animation. Ce conte de fées traditionnel, qui depuis plus de 1 000 ans est apparu dans le folklore du monde entier, raconte l'histoire d une jeune femme vivant des circonstances difficiles, et qui est reléguée par sa belle-mère et ses demi-sœurs cruelles à s'asseoir dans les cendres près de la cheminée (d'où son nom). Pourtant, elle agit pour améliorer sa vie. La Cendrillon de Disney fait ce qu'elle peut pour améliorer non seulement sa situation, mais aussi celle des créatures qui l'entourent. Elle s'efforce d'apporter la paix et l'harmonie dans son monde. Lors de la sortie du film en Î950, la critique Helen Bower a fait l’éloge du traitement du personnage par Disney, notant « Il y a une belle philosophie dans l'attitude de Cendrillon. Elle peut enseigner aux jeunes - et aux autres - comment faire face à l'adversité. »
Cendrillon rend également hommage au pouvoir de la croyance et à l'émerveillement de la magie. Lorsque Marc Davis, qui a animé la scène de transformation de la robe, a appris que c'était l'un des moments préférés de Walt dans l'animation, il a déclare : « Cela en dit vraiment beaucoup sur Walt Disney lui-même : la magie, les souhaits qui se réalisent, etc. Cendrillon a une vraie force de caractère tout au long de ce film. Elles n'allaient pas la vaincre, peu importe ce qu'elles feraient. »

développement visuel de Cendrillon de 1950 et développement de l(histoire de Cendrillon -
pantoufle de verre de Cendrillon de 2015

livres de contes 

Alice au pays des merveilles

« Aucun titre de la littérature anglaise ne m'a plus intrigué que Alice au pays des merveilles de Lewis Carroll. J’étais fasciné depuis la première fois que je l'ai lu quand j'étais écolier, et dès que j'ai pu, après avoir commencé à faire des dessins animés, j’ai acquis les droits cinématographiques pour le produire. » — Walt Disney
Les histoires de Carroll, Alice au pays des merveilles et De l'autre côté du miroir se prêtent à un format de récit en épisodes et sont remplies de personnages et d’incidents bizarres. Walt et ses scénaristes ont décidé que la curiosité d'Alice serait la motivation qui la pousserait à suivre Le Lapin Blanc pour explorer un monde fantastique et coloré habité par des créatures telles qu'une poignée de porte parlante, un jardin de fleurs vivantes, un papillon et le mystérieux chat du Cheshire.
L’artiste Mary Blair, Disney Legend, dont Walt adorait le style de couleur distinctif, a créé tout un art du développement visuel surréaliste pour Alice au pays des merveilles. Son Alice est traitée avec tendresse, éclipsée par son environnement, de sorte que le spectateur éprouve de l’empathie pour la jeune fille dans ce monde étrange.
Brian Sibley, expert de Lewis Carroll acclame Alice au pays des merveilles de Disney pour sa conception visuelle saisissante et son animation emplie d'humour, l'applaudissant d'être « une œuvre unique d'exubérance visuelle, d'une brillance graphique inégalée et d'une ingéniosité extraordinaire. » 

développement visuel d’Alice au Pays des merveilles de 1951, reproduction gouache, encre et graphite sur carton -
développement visuel d’Alice au Pays des merveilles de 1951, gouache, graphite et pastel sur papier collé sur carton et développement visuel d’Alice au Pays des merveilles de 1951, gouache, graphite, encre et aquarelle sur carton 

objets d’Alice au Pays des merveilles : tasse à thé, soucoupe, pot à crème et porte-cure-dents, théière du Chapelier fou, bouteilles “Drink me” d’Alice au Pays des merveilles de 2010 et gâteau “Eat me” et boîte en verre d’Alice au Pays des merveilles de 2010 et Alice de l’autre côté du miroir de 2016

Mary Poppins

« Après une longue période de concentration sur les films en prises de vues réelles et les dessins animés, nous avons décidé d'essayer quelque chose qui utiliserait à peu près toutes tes astuces que nous avions apprises dans la réalisation de films. Nous allions combiner le dessin animé et l’action réelle en une énorme fantaisie - Mary Poppins. » — Walt Disney
Walt a d'abord exprimé son intérêt pour les livres de P.L Travers, qui racontent l'histoire d'une nounou extraordinaire, en 1938. L’autrice était réticente, incapable d'imaginer Mary Poppins comme un personnage de dessin animé. La Walt Disney Company a continué à essayer d'acquérir les droits, suggérant même de combiner l'animation et les prises de vues réelles. Finalement, après plusieurs autres livres - et 22 ans plus tard - elle a accepté. Sorti en août 1964, le film a été un triomphe : nommé pour 13 Oscars® (dont la première nomination de Disney pour le meilleur film), et remportant les prix de la meilleure actrice, de la meilleure chanson, de la meilleure bande-son, du meilleur montage et des meilleurs effets visuels.
La magie de Mary Poppins ne se limite pas à passer à travers une peinture ou à prendre le thé au plafond. C'est une prise de conscience qu'il y a aussi une vraie magie à prendre soin des gens que vous aimez, à l'importance de la famille et à étendre cette attention aux autres. Elle nous rappelle la joie de l'enfance et nous enseigne que le monde lui-même est magique et que nous devons nous rappeler de profiter de ses merveilles en grandissant. 

développement visuel de Mary Poppins de 1964, crayon de couleur, crayon Conté, gouache et pastel sur carton et développement visuel de Mary Poppins de 1964 et Le Retour de Mary Poppins de 2018, peinture à l’huile sur carton -

boule à neige de Mary Poppins de 1964 

cheval de manège de Mary Poppins de 1964

Winnie l’ourson

Chez Walt Disney, les histoires fantaisistes d'A. A. Milne sur l'ours friand de miel appelé « Winnie l'ourson » étaient un classique des lectures du soir. Il a commencé à rechercher les droits cinématographiques des histoires de Winnie l'ourson en 1938. Le premier court métrage, Winnie Courson et l’arbre à miel, est sorti en 1966 ; d'autres courts métrages, des longs métrages et des séries télévisées ont suivi. Le long métrage Jean-Christophe & Winnie (2018) raconte l'histoire du meilleur ami de Winnie l'ourson, devenu adulte et qui a besoin de raviver l'esprit d'émerveillement de son enfance.
Les personnages de Milne affichent toutes les émotions et les sentiments des enfants. Gentil et loyal, Winnie l'ourson essaie toujours d'aider ses amis, mais il ne sait pas toujours quoi faire. C’est un optimiste. Bourriquet est éternellement triste. Coco Lapin est le leader autoproclamé. Porcinet est noble et courageux, bien que d'une façon légèrement timide. Petit Gourou est le plus jeune et veut se joindre à tout ce que font les autres. Maître Hibou se considère comme sage. Et Tigrou est... exubérant et bruyant. Ce sont des modèles parfaits pour que les enfants apprennent à s'entendre les uns avec les autres.
Les films et émissions Winnie l'ourson de Disney ont reçu un Oscar®, des Emmy Awards® et le prix Humanitas. En 1997, les Nations unies ont nommé Winnie l'ourson comme Ambassadeur mondial de l'Amitié. 

Winnie ‘ourson depuis 1966 – Winnie l’ourson, doublure de référence en prise de vues réelles pour Jean-Christophe et Winnie de 2018

La Belle et la Bête

Lors de L'avant-première de La Belle et la Bête, les critiques de cinéma et de théâtre l'ont qualifié de meilleure « comédie musicale  de Broadway » de 1991. C’est le premier long métrage d'animation nommé pour l'Oscar© du meilleur film (ainsi que meilleure chanson et meilleure bande-son originale). La Bette et Bête allait devenir le long métrage d'animation le plus réussi de l'histoire du cinéma. Une comédie musicale a été créée à Broadway en 1994 ; et une superbe version en prises de vues réelles avec des personnages générés par ordinateur a suivi en 2017.
L'un des thèmes du conte de fées original est que la vraie beauté se trouve sous les apparences. L'animateur Glen Keane a conçu la Bête en combinant la crinière d'un lion, le front d'un gorille, la barbe et le museau d'un buffle, les défenses d'un sanglier et le corps d'un ours, avec les pattes arrière et la queue d'un loup. L'influence de Belle aide la Bête à changer son moi intérieur et lui permet de voir « quelque chose qui n'était pas là auparavant. »
« La Bête elle-même a presque le double rôle de méchant et de héros », observe le réalisateur Gary Trousdale. Kirk Wise, un autre réalisateur, nous révèle : « C'était amusant de retourner tous ces clichés. L'héroïne n'est pas vraiment à la recherche du prince charmant. Le héros est une bête, et le beau mec [Gaston] devient le méchant. » 

développement visuel de La Belle et la Bête de 1991, reproduction graphite sur papier 

Lumière et Big Ben, modèles de production de La Belle et la bête de 2017

La Princesse et la grenouille

Comme ils l'avaient fait pour La Petite Sirène (1989) et Aladdin (1992), les réalisateurs John Musker et Ron Clements ont fait des recherches sur le développement visuel initial d'un long métrage d'animation encore jamais produit basé sur le conte de fées des frères Grimm « Le Roi Grenouille ». Avec une inspiration supplémentaire de The Frog Princess (un livre pour enfants de 2002 de E. D. Baker), La Princesse et ta grenouille de Disney a marqué un retour à l'animation authentique et classique dessinée à la main, avec une touche moderne.
L'histoire se déroule dans La Nouvelle-Orléans des années 1920, en Louisiane, où se trouve le célèbre et élégant quartier français, le Garden District, occupé par de majestueuses demeures du Sud et des bayous sombres et mystérieux. La Princesse et la grenouille présente un mélange de zydeco, de blues, de gospel et de jazz, tous distinctement américains. Tiana, (la première princesse afro-américaine animée de Disney), est une figure d'action, une jeune femme pleine de ressources déterminée à réaliser son rêve d'ouvrir son propre restaurant. Elle suit le principe de son père selon lequel si l'on travaille assez dur, tout est possible. Sous forme de grenouilles, Tiana et son futur soupirant, le prince Naveen, doivent prendre des décisions difficiles concernant la loyauté et l'amour. Ensemble, ils trouvent un moyen unique de réaliser tous leurs rêves. 

développements visuels de La Princesse et la grenouille de 2009, peintures numériques

La Reine des neiges

L'équipe scénaristique de Disney a d'abord étudié, dans les années 1930, l'histoire de Hans Christian Andersen, « La Reine des neiges », qui raconte l'histoire d'une reine élégante et méchante régnant sur un royaume gelé. Le conte était trop long et de nature épisodique et Disney l'a mis de côté. Le début des années 2000 a vu un regain d'intérêt pour les histoires d'Andersen, mais il a fallu encore environ sept ans avant que le travail ne commence sérieusement. À ce moment-là, tous les personnages, à l'exception de la figure de la reine, avaient été abandonnés. « C'est seulement en ayant l'idée de faire de l'héroïne et de la méchante des sœurs que nous avons débloqué une histoire », a déclaré le producteur Peter Del Vecho. Jennifer Lee, réalisatrice et scénariste de La Reine des neiges, a expliqué : « Au cœur de la nouvelle histoire se trouvaient les deux sœurs : il y avait quelque chose de très intéressant dans l'idée d'une sœur qui a un super-pouvoir — ou une affliction - et une autre qui est ignorée parce que sa sœur prend toute la place. »
L'histoire de la reconnaissance et de l'acceptation par Elsa de son soi authentique et puissant, et de la loyauté inébranlable d'Anna qui la retrouve après qu'Elsa a piège leur royaume dans l'hiver éternel, remportera l'Oscar® du meilleur film d'animation et de la meilleure chanson (« Libérée, Délivrée »). 

développements visuels de La Reine des neiges de 2013, peintures numériques

Raiponce

Le légendaire scénariste de Disney, Joe Grant, s'est souvenu qu'à la fin des années 1930, le conte de fées « Raiponce » des frères Grimm a été exploré comme une suite possible après Blanche-Neige et les Sept Nains. 60 ans plus tard, au milieu des années 1990, L'animateur Glen Keane a commencé à réexplorer l'histoire. Les cinéastes ont opté pour un style visuel romantique comme celui des contes de fées classiques de Disney, en particulier les formes lyriques et gracieuses de Cendrillon (1950).
Raiponce apporte une sensibilité contemporaine au conte de fées des frères Grimm. Raiponce est une jeune femme pleine d'entrain aux cheveux magiques, prête à découvrir le monde au-delà des murs de la tour où elle a été enfermée par un ravisseur maléfique. « C'est ça. Raiponce », a déclaré Glen Keane, « [...] une personne jeune, dynamique et douée qui doit se libérer et découvrir qui elle est censée être. »
À l'approche de son 18ème anniversaire, Raiponce décide qu'il est temps que sa vie commence. Il lui faut beaucoup de courage - et la compagnie d'un charmant voleur - pour quitter la sécurité de sa maison-tour pour aller chercher les belles lanternes flottantes qui apparaissent dans le ciel chaque année le jour de son anniversaire... Un message du roi et de la reine à leur fille perdue depuis longtemps. 

développements visuels de Raiponce de 201, peintures numériques

Les Indestructibles

toise des Indestructibles

L’importance des individualités

« Le développement de la personnalité des personnages est un aspect sur lequel Walt Disney a travaillé dur dès le début ». a déclare l'animateur, réalisateur et Disney Legend Wilfred Jackson, qui a rejoint Disney en 1928 et a travaillé sur Steamboat Willie. « Dès le début, Walt ne voulait pas qu'ils soient juste en train de se déplacer à l’écran et de faire des choses amusantes. Il voulait que le public se soucie de ce qui arrive aux personnages et les croit vrais. »
Walt et ses artistes ont imprégné Nif-Nif, Nouf-Nouf et Naf-Naf de caractéristiques distinctives dans Les Trois Petits Cochons (1933), et ont donné des noms et des personnalités assorties aux sept petits hommes dans Blanche-Neige et les Sept Nains (1937).
Don Hahn, Disney Legend, producteur de La Belle et la Bête (1991) et du Roi Lion (1994) affirme :« Les personnages sont nos substituts dans une histoire. Nous voyons la vie à travers leurs yeux et apprenons de ce qu’ils font et ressentent. Nous Laissons notre monde derrière nous et les suivons. Les grands personnages nous donnent de l'espoir et nous font nous soucier de l’aventure qu'est la vie. En nous mettant à leur place et en ressentant leurs blessures et leurs espoirs, nous apprenons ce que c'est que d’être humain et nous rappelons que nos vies ont un sens. »

Rendre l’illusion vivante

Bien qu'une histoire soit une aventure, ce sont les personnages qui la composent qui nous importent réellement. Nous nous identifions à eux : nous rions et pleurons avec eux. Ils deviennent aussi réels pour nous que des personnes. Mais comment les dessins réalisés avec des crayons ou des pixels peuvent-ils prendre vie ?
« Quand les gens se moquent de Mickey Mouse, c'est à cause de son humanité ; et c'est là le secret de sa popularité », a déclaré Walt Disney. « Pour créer un personnage de dessin animé avec une vraie personnalité, il lui faut plus que des mouvements naturels. Pour prendre vraiment vie, les actions du personnage doivent sembler provenir de ses propres pensées et sentiments. En d'autres termes, un personnage de dessin animé doit avoir un esprit. Car seul le personnage qui pense peut devenir une individualité. »
Une fois que les artistes savent comment les person­nages pensent, ils peuvent dépeindre les attitudes de ces derniers à travers des actions et des émotions. Pluto n'a pas besoin de dialogue : la confusion, la détermination, la peur et la joie sont transmises par la pantomime. Un simple changement d'expression peut montrer la pensée d'un personnage.
Comprendre le pourquoi des personnages aide à établir leur arc narratif. Jennifer Lee, scénariste et réalisatrice des films La Reine des neiges, note que « [...] vous devez comprendre pourquoi chaque personnage fait ce qu'il fait, qu'il soit méchant ou gentil. Vous devez comprendre leur philoso­phie, même si vous n'y croyez pas. » L'artiste Chris Williams développe : « [...] nous pouvons rendre [Elsa] froide et distante, mais nos cœurs la suivront toujours. Parce qu'elle vit dans une prison qu'elle ne peut partager avec personne. Il y a des thématiques profondes derrière le fait de ne pas pouvoir admettre qui l'on est par peur de la réaction des autres. »
De Blanche-Neige à Simba, de Pinocchio à Winnie l'ourson, de Rémy à Raya, nous nous reconnaissons dans leurs histoires. Nous voyageons avec eux, nous faisons l'expérience de leurs chagrins, nous nous réjou­issons de leur joie et nous célébrons leurs triomphes.

L’atelier de modélisation des animateurs

Walt Disney cherchait à toujours améliorer le travail de son studio d’animation en créant des personnages parfaitement développés. À la fin de 1937, il a créé le département de modélisation de personnages pour superviser le conception, la création et le perfectionnement de ses personnages de film.
Certains des premiers modèles de l’animateur ont été produits pour Pinocchio (1940), sculptés en pâte à modeler puis coulés dans du plâtre avec une armature en fil d’acier sous-jacente. Le département Encre et peinture a ensuite terminé les modèles en les peignant avec un mélange d’aquarelles opaques. Les modèles sont devenus des outils de référence d’une importance vitale pour les animateurs du studio. Le département de modélisation de personnages a opéré de 1937 à 1941. À la fin des années 1970, Disney a relancé l’utilisation des modèles pour animateurs, aujourd’hui appelés “maquettes”. Ces premiers travaux de développement de feuilles de personnages, de modèles et d’autres matériaux sont devenus la base des techniques et des concepts d’animation encore utilisés aujourd’hui. 

l’atelier de modélisation 

maquette de Rémy dans Ratatouille de 2007 en résine coulée en uréthane et peinture -
maquette de Bernard dans Bernard et Bianca au pays des kangourous de 1990 en résine et peinture

 

maquette de Buzz l’Éclair dans Toy Story de 1995 en résine coulée en uréthane et peinture -
maquette d’Elliott dans Peter et Elliott le dragon de 1977 en résine et peinture

 

maquette de Maui dans Vaiana, la légende du bout du monde de 2016, en résine et peinture -
maquette du Génie dans Aladdin de 1995 en résine et peinture

 

maquettes d’Anna dans La Reine des neiges II de 2019 en résine et peinture 

maquette de Martin dans Cars quatre roues de 2006 en résine coulée en uréthane et peinture 

Cruella

La création de Dodie Smith était une femme gâtée et riche qui ne pensait qu'à elle-même et à ses désirs. Les artistes Disney ont ajouté à cela une personnalité acerbe, un caractère terrible et un comportement étrange - la recette parfaite pour une méchante unique, scandaleuse et divertissante. L'animateur et Disney Legend, Andreas Deja, la qualifie de « l'une des meilleures méchantes de l'histoire du cinéma. »
L'actrice et star de radio, Betty Lou Gerson. a prêté sa voix a Cruella, sa performance écrasant presque les autres acteurs avec lesquels elle a travaillé. La comédienne Mary Wickes, elle, a joué des performances de référence, décrites par Frank Thomas et Ollie Johnston comme montrant « les possibilités d'une angularité brute s’ajoutant a une douceur sophistiquée. »
Cruella d'Enfer a été le dernier personnage de film amené à la vie par la Disney Legend Marc Davis avant qu'il ne soit transféré à la division Imagineering de Disney. Bien qu'il fût connu pour avoir animé de sublimes personnages - la fée Clochette, Alice, Cendrillon, la princesse Aurore et la si élégante Maléfique - Davis a révélé que Cruella était sa performance préférée. Le directeur de la création de Pixar, Pète Docter, décrit l'animation de Cruella comme « une masterclass sur la gestuelle du corps pour transmettre l'attitude et l'intention », notant que Davis a voulu la faire « bouger comme une personne détestable. » Davis lui-même a décrit Cruella comme un personnage « erratique et excentrique » « créant le chaos partout où elle va. »

« Le public a toujours été fasciné par tes méchants », ont observé les animateurs et Disney Legends, Frank Thomas et Ollie Johnston qui exploraient le rôle joué par les méchants de Disney. « Leur comportement est aberrant, ils sont souvent plus pittoresques que la moyenne, et ils sont la cause d'événements et de sentiments intenses. » Qu'est-ce qui compose un méchant ? Souvent, Ils veulent quelque chose et sont tellement obsédés qu'ils feront n'importe quoi pour l'obtenir.
Cruella d'Enfer est la méchante dans « Les 101 Dalmatiens », un livre pour enfants de 1956 de l'autrice britannique Dodie Smith qui décrit sa première apparition dans une « robe moulante en satin émeraude, plusieurs cordons de rubis et un manteau de vison blanc d'une simplicité absolue ». Cruella adore la fourrure, et ce qu'elle veut, c'est un manteau fabriqué à partir de la belle fourrure tachetée noire et blanche de petits dalmatiens, peu importe le coût ou les souffrances que cela causera.
Dans le film d'animation de Walt Disney de 1961, Les 101 Dalmatiens, Cruella est l'une des méchantes les plus flamboyantes et les plus instables de Disney. L'équipe scénario et les animateurs ont savouré les possibilités de la rendre a la fois dangereuse et pleine d'humour. Thomas et Johnston la qualifiaient de « […] diabolique, mais pas calculatrice ; elle n'a lamais vraiment manigancé, réagissant plutôt de manière purement impulsive. » 

dessins de Cruella sur fond de taches de dalmatiens – robe de Cruella

plaque d’immatriculation de la voiture de Cruella dans Les 101 Dalmatiens de 1996 -
objets de Cruella dans Les 102 Dalmatiens de 2000 : éventail, collier et chaussures

Olaf

Les personnages de Disney sont souvent accompagnés de compagnons, des “acolytes” qui les aident dans leurs voyages, comme Jiminy Cricket et Timothée pour Pinocchio et Dumbo. Certains sont des compagnons fidèles et des confidents avec lesquels les héros peuvent partager leurs rêves, tandis que d’autres sont les serviteurs des méchants et soutiennent leurs plans diaboliques. Parfois ces compagnons apportent simplement un soulagement comique.
Olaf, dans les films La Reine des neiges, illustre les aspects positifs du personnage lorsqu’il rejoint Anna et Kristoff à la recherche d’Elsa. Jeff Ranjo, scénariste de la Reine des neiges (2013) a expliqué : “Il est presque comme un bébé : il vient d’être créé. Il ne connaît pas grand chose du monde, alors il faut lui expliquer des choses qu’on tient pour acquises, comme on le ferait pour un enfant. “L’acteur de doublage et Disney Legend, Josh Gad, a eu recours à l’improvisation pour développer une grande partie des dialogues du personnage, en ajoutant les non-sens qui “donnent vie au personnage”.
La personnalité enjouée d’Olaf continue de briller dans des émissions spéciales au cinéma et à la télévision, dans les parcs Disney, sur scène, dans la série numérique de courts métrages At Home with Olaf (2020) et dans la série spéciale de courts métrages Disney+ Olaf présente (2021), dans laquelle il joue des classiques de Disney, en jouant tous les rôles. 

développements visuels de La Reine des neiges de 2013, peintures numériques -
jouet marionnette d’Olaf dans Frozen : Broadway Musical depuis 2018

Ariel, la petite sirène

Les personnages principaux des histoires gagnent souvent le titre de « héros » en se mettant en danger pour le bien des autres. « Nous définissons les héros et les héroïnes de manière plus vivante », a déclaré Walt Disney, faisant référence à la façon dont Disney met en valeur les personnages de contes célèbres. Le voyage d'un héros peut être épique, comme lorsque Mulan part à la guerre à la place de son père. Il peut aussi s'agir d'un voyage plus intérieur, car ils trouvent leur place dam le monde.
Dans La Petite Sirène (1989), Ariel est une jeune femme moderne : capable, courageuse et intelligente. C’est aussi une adolescente, gui veut se libérer des restrictions imposées par son père, le roi Triton, et par le monde sous-marin. Elle est fascinée par le monde au-dessus des vagues, au grand dam de Triton. Son esprit aventureux l'encourage à agir promptement, et elle affronte le danger avec courage. Comme dans l’histoire originale, la petite sirène de Disney sauve un prince de la noyade et troque sa voix contre une paire de jambes, pour réaliser son désir de faire partie du monde humain.
Sur la terre ferme, alors qu'elle est sur le point de réaliser son rêve, le prince Éric est capturé par Ursula, la sorcière des mers. Elle se pré­cipite a son aide et, ensemble, ils combattent Ursula pour l'empêcher de régner sur les mers. 

note de production et croquis d’histoire de La Petite sirène de 1989 -
Ariel dans Disney présente Le monde merveilleux de La petite sirène de 2019 

objets de La Petite sirène de 203 : Zirgouflex et la longue vue

Histoire d’aventures et de pirates

« Les trésors enterrés - tes pirates - le mystère et l'aventure. Tous ces éléments asso­ciés font de L'Île au Trésor de Robert Louis Stevenson l'une des histoires d'aventure les plus connues, et les plus appréciées, de tous les temps », aurait déclaré Walt Disney. Il disait que c'était « une formidable histoire de pirates », et il a choisi le roman de Stevenson pour son premier film entièrement en prises de vues réelles, réalisé en Angleterre et sorti en 1950. L'interprétation par l'acteur Robert Newton de Long John Silver, fascinant pirate sans scrupules, continue de nous inspirer lorsque nous voulons parler comme un pirate. « Arr ! »

Parmi les autres pirates de Disney, on se souvi­ent du Capitaine Crochet et de M. Mouche dans Peter Pan (1953) et de l'équipage du galion spatial RLS Legacy dans La Planète au trésor (2002), l'aventure spatiale animée inspirée de L’Île au trésor. Cependant, les pirates les plus mémorables de Disney apparaissent peut-être dans la série de films Pirates des Caraïbes (2003-2017) : le désinvolte capitaine Jack Sparrow et son loyal second Joshamee Gibbs, le féroce capitaine Hector Barbossa, le surnaturel Davy Jones, l'inquiétant Barbe Noire et l'infâme capitaine Salazar. On peut citer aussi quelques femmes pirates : Angelica, la fille de Barbe Noire, dangereuse et maîtresse du déguise­ment, et Elizabeth Swann, qui passe aisément de son rôle de fille du gouverneur à celui de roi des pirates.
D'autres aventures de pirates sont-elles à venir ? « Les morts ne racontent pas d'histoires. » 

Jack Sparrow – boussole de Jack Sparrow dans Pirates des Caraïbes : la malédiction du Black Pearl 

accessoire : bateau dans une bouteille dans Pirates des Caraïbes : la fontaine de jouvence de 2011

Vaiana, la légende du bout du monde

Les légendes des îles du Pacifique ont inspiré l’histoire de Vaiana, une jeune fille qui découvre en elle une connexion avec ses ancêtres, les grands voyageurs de l’Océanie. Alors qu’il lui est interdit de passer le récif qui entoure son île, elle répond à l’appel de la mer afin de sauver son peuple. Par la même occasion, elle rappelle à sa famille leurs origines d’explorateurs. Les thèmes clés de Vaiana, la légende du bout du monde sont la recherche d’identité, l’aventure et la découverte. Selon le coréalisateur, Ron Clemnets : “[…] Vaiana trouve sa propre identité, redécouvre l’identité de son peuple et comprend l’importance de transmettre la tradition d’une génération à l’autre.” 

développements visuels de Vaiana, la légende du bout du monde de 2016, peintures numériques

Lilo et Stitch

Avoir l’esprit de découverte ne signifie pas toujours explorer quelque chose de nouveau. Parfois il s’agit d’une aventure intérieure qui change notre perspective et nous offre une nouvelle voie à suivre.
La découverte de choses que nous pensions impossibles. Dans Lilo & Stitch, une petite fille nommée “Lilo” a besoin d’un ami et adopte “Stitch” pensant qu’il s’agit d’un chien. En réalité c’est une créature extraterrestre conçue pour être une arme de destruction. La foi inébranlable de Lilo en chang – la tradition hawaïenne de la famille, selon laquelle personne ne doit être abandonné ni oublié – prend l’ascendant sur les projets de Stitch et donne à cet être une chose qu’il n’était pas prédestiné à avoir : la capacité de prendre soin des autres. 

développements visuels de Lilo et Stitch de 2002

Peter Pan

Walt Disney a grandi dans une ferme. Après le dîner, il adorait écouter des histoires et des contes. Après Blanche-Neige, le personnage le plus important pour Walt Disney était Peter Pan. Cependant, il ne l'a pas découvert dans les livres de sir James M. Barrie. Une produc­tion théâtrale de Peter Pan s'est jouée à Marce­line, et Walt et son frère aîné, Roy, ont rassem­blé leurs économies pour acheter des places. « Pendant deux heures, nous avons vécu au Pays Imaginaire, avec Peter et ses amis », se souvenait Walt. « J'ai conservé de nombreux souvenirs du théâtre ce soir-là, mais le plus excitant était de voir Peter voler dans les airs. » Peu après, le jeune Walt jouait Peter Pan dans une pièce de théâtre pour son école. « Aucun acteur ne s'était jamais identifié au rôle qu'il jouait plus que moi », disait-il.
Même pendant la production de Blanche-Neige et les Sept Nains (1937), réaliser un film animé des aventures de Peter Pan se trouvait déjà en haut de la liste de Walt de ses prochains longs métrages. Il a finalement obtenu les droits en 1939. Les artistes de Disney ont alors commencé leur grande aventure, visual­iser et explorer l'île mystérieuse qu'on trouve seulement « après la deuxième étoile à droite et tout droit jusqu'au matin. »

 objets de Peter Pan et Wendy de 2023 : crochet et collier

silhouettes dans Peter Pan

L’esprit d’aventure et de découverte

L'être humain est curieux et courageux par nature. Nous voyageons hors de notre cadre familier pour explorer et foire des découvertes. Face à l'inconnu, nous étendons notre connaissance du monde dans lequel nous vivons. La curiosité, l'imagination et la prise de risque imprègnent l'envie de Walt Disney de raconter des histoires qui prennent place dans des environnements réels, passés et présents, ou de créer des mondes vraisemblables qui n'existent que dans notre imagination.
En discutant des défis que cela implique, Walt s'est rendu compte qu'il faut « du courage pour essayer de nouvelles choses, pour satisfaire la curiosité sans fin des gens de connaître le monde autour d'eux ». Toutefois, il était convaincu que raconter de telles histoires en valait la peine : « Nous avons toujours essayé de rester fidèles à l'idée que, dans la quête du savoir, il y a du divertissement : et inversement, dans tout bon divertissement, on peut toujours tirer un peu de sagesse et d'humanité ou avoir une illumination. »
Lorsque nous explorons une jungle mystérieuse dans un vieux bateau à vapeur ou plongeons 20.000 lieues sous les mers pour découvrir les merveilles des profondeurs, lorsque nous accompag­nons Indiana Jones à la recherche de trésors perdus, ou que nous écoutons Walt partager sa vision de l'exploration spatiale à la télévision, lorsque nous rejoignons une rébellion dans une galaxie lointaine, très lointaine, ou que nous entrons dans l'univers cinématographique des super-héros Marvel, nous vivons leurs espoirs, leurs peines et leurs victoires. L'esprit d'aventure et de découverte nous inspire à entreprendre des voyages audacieux dans l'in­connu où nous en apprenons plus sur les mondes autour de nous - réels ou imaginaires - et, ce faisant, nous gagnons une meilleure compréhension de nous-mêmes. 

planche de bois gravée utilisée par Nicolas Cage dans Benjamin Gates et le livre des secrets de 2007 – coffre

Indiana Jones

La première fois que nous rencontrons le courageux archéologue, Indiana Jones, à l'esprit aussi vif que son fouet et son fédora vissé sur la tête, nous voyons une silhouette traversant une jungle en Amérique du Sud. Il est aussi séduisant que mystérieux. De jour, « Indy » est un professeur d'archéologie ordinaire, mais sa curiosité insatiable l'amène à parcourir le monde à la recherche d'objets historiques d'une valeur inestimable tout en essayant de comprendre leur importance culturelle. Faisant souvent face à des obstacles apparemment insurmontables, il représente le héros courageux : non seulement pour ses exploits, mais aussi parce qu'il affronte ses peurs.
La résilience et l'esprit d'aventure d'Indy nous inspirent quoi qu'il arrive : lorsqu'il récupère l'Arche d'Alliance perdue, qu'il utilise la machine d'Anticythère pour voyager dans le temps, ou qu'il affronte les périls du palais de Pankot pour trouver et rendre les pierres de Sankara. 

Indiana Jones – cadran d’Indiana Jones

20.000 lieues sous les mers

« Depuis la nuit des temps, l'homme regarde l'océan et imagine ce qui peut se trouver dans ses profondeurs mystérieuses. Cependant, ce qu'il n'a jamais imaginé, c'est qu'une entre­prise arrive à filmer un long métrage au fond de l'océan », disait Walt Disney lorsqu'il a présenté une émission spéciale dédiée à la réalisation de 20.000 Lieues sous les mers, « eh bien, c'est exactement ce que nous avons fait. »
Walt a réalisé quatre films d'aventure en prises de vues réelles en Angleterre, il a commencé par L'île au Trésor en 1950, et il était prêt à mettre en place une production complète de films du même genre dans ses studios de Burbank. 20.000 lieues sous les mers est basé sur le classique de la science-fiction de Jules Verne, l'histoire d'un mystérieux monstre marin qui menace le transport maritime. Le « monstre » se révèle être un vaisseau qui voyage sous l'eau : un sous-marin, commandé par le brillant, mais obsessionnel capitaine Nemo. Le concep­teur, Imagineer et Disney Legend Harper Goff a conçu le Nautilus, un spectaculaire vaisseau blindé dans un style qui associe l'esthétique du XIXème siècle et l'aspect d'une machine à vapeur. Ce dispositif interactif offre un aperçu des différentes séquences tournées sous l'eau par Disney, vues à travers une reconstitution de la fenêtre d'observation du Nautilus.

Jungle Cruise

Il faut de la curiosité et du courage pour explorer l'inconnu et découvrir ce qui se trouve au détour de la rivière. De nos jours, nous avons l'habitude de vivre l'exploration par procura­tion en lisant les mémoires des pionniers et de vibrer en entendant les histoires de contrées éloignées depuis le confort et la sécurité de notre foyer ou d'une salle de cinéma.
Lorsque Walt Disney et ses Imagineers ont imag­iné Disneyland, ils voulaient que les visiteurs mettent à l'épreuve leur esprit d'aventure et de découverte. « Beaucoup d'entre nous rêvent de voyager dans des régions isolées et mystérieuses », disait Walt. « Pour rendre hommage à un pays qui rendrait ce rêve pos­sible, nous nous sommes imaginés loin de la civilisation, dans les Jungles d'Asie et d'Af­rique. » Dans l'attraction emblématique Jungle Cruise, qui a ouvert à Disneyland® Park le 17 Juillet 1955, et que l'on trouve aujourd'hui aussi à Magic Kingdom® Park, Walt Disney World Resort, Tokyo Disneyland Park, et Hong Kong Disneyland Park, les visiteurs intrépides embarquent à bord d'un petit bateau à vapeur pour voyager au cœur des jungles du monde entier. Cette attraction a inspiré le film Disney Jungle Cruise (2021) qui met en scène l'aven­turière Lily Houghton et le capitaine du bateau à vapeur Frank Wolff à la recherche d'un arbre légendaire dont les pétales pourraient soigner toutes les blessures, guérir toutes les maladies et lever toutes les malédictions. 

dessins conceptuels de Jungle Cruise, reproduction aquarelle sur papier

Star Wars

« Il y a bien longtemps, dans une galaxie lointaine, très lointaine… » En 1977, ces quelques mots ont introduit la vision extraor­dinaire de George Lucas d'un « petit » film appelé Star Wars. Un « parcours du héros » classique au cours duquel nos héros grandis­sent et évoluent. La saga Star Wars est remp­lie de héros et de méchants allant du groupe initial de rebelles (Luke Skywalker, Leia Organa, Han Solo et Chewbacca) à d'autres espèces d'aliens, des personnages mystérieux et des Jedi maniant des sabres laser.
Les films et séries Star Wars présentent des droïdes, ou des êtres mécaniques de service, avec des personnalités distinctes. Nos préférés étant C-3PO (spécialiste de l'étiquette et du protocole), les astromécanos R2-D2 et BB-8, le chasseur de primes IG-11, et l'attachant et vieil­lissant B2EMO (aussi appelé B2 ou B).
En 1984, The Walt Disney Company et George Lucas ont discuté de la possibilité de mettre des attractions Star Wars dans les parcs à thème de Disney. Ouvert en 1987 à Disneyland, Star Tours a marqué l'une des premières collaborations créatives entre Disney et LucasfiIm. D'autres attractions ont suivi, ainsi que la zone thématique à l'environnement immersif, Star Wars : Galaxy's Edge.
Désormais partie intégrante de Disney, Lucasfilm continue à approfondir notre compréhension de l'histoire Star Wars avec de nouveaux films, mais aussi de nouvelles séries et expériences qui transportent les visiteurs au fin fond de cette galaxie lointaine, très lointaine.
« Que la Force soit avec vous » 

Chewbacca, R2*D2 et C3-PO dans Star Wars 

marionnette BB-8 – marionnette Porg 

Stormtrooper du 1er ordre

 

dés de Han Solo utilisés par Carrie Fisher et Mark Hammil dans Star Wars : les derniers Jedi de 2017 -
manche du sabre laser de Luke Skywalker 

Walt Disney dans l’espace

Walt Disney dans l’espace

Anciens textes Jedi

Dans Star Wars : Les Derniers Jedi (2017), la dernière élève de Luke Skywalker, Rey, découvre sa collection d'anciens textes fondateurs de l'ordre des Jedi dans un arbre Uneti de la planète Ahch-To. Rey emporte les livres pour étudier la Force, décrite par Obi-Wan Kenobi dans Star Wars : Un nouvel espoir (1977) comme « une sorte de fluide créé par tout être vivant. Une énergie qui nous entoure et nous pénètre, et qui maintient la galaxie en un tout. »
Ces volumes extraordinaires — créés par les maîtres accessoiristes du film — appartiennent désormais à la collection Lucasfilm préservée par les Walt Disney Archives. Les fabricants d'accessoires ont utilisé d'anciennes méthodes de reliure pour créer huit livres uniques pouvant passer pour les tomes sacrés, ainsi que des livres accessoires pour « héros » plus élaborés conçus pour Les Derniers Jedi. Bien qu'une seule page apparaisse à l'écran pendant quelques secondes à peine, près de 80 pages ont été conçues, imprimées, vieillies et usées. Les couvertures texturées et sculptées à la main ont été moulées en résine et reliées avec les pages réalisées. Les signatures méticuleusement élaborées dans les livres des héros incluent des couches peintes à la feuille d'or, des pigments bleus et une écriture ancienne et indéchiffrable. Des pages supplémentaires de notes et de croquis pour presque tous les livres restants ont été produites pour les scènes dans Star Wars : L'Ascension de Skywalker (2019). 

anciens textes Jedi

Marvel

« […] Un grand pouvoir implique... de grandes responsabilités ! » - Bande dessinée Amazing Fantasy #15
Depuis plus de 80 ans, les personnages de Marvel sauvent le monde tout en jonglant avec leurs tracas quotidiens. Ils ont ainsi gagné le cœur de tous les lecteurs et lectrices de comics, et désormais des amateurs et amatrices de cinéma, du monde entier.
La Disney Legend Stan Lee, qui a contribué à créer les personnages de Marvel les plus populaires, explique : « J'essayais d'écrire les histoires que j'aurais aimé lire... et je voulais lire des histoires sur des personnages en trois dimensions, pas des figurines simplistes en bâtons. Il fallait s'intéresser à ces personnages, les comprendre. » Les super-héros de Marvel - qu'ils aient des super pouvoirs ou non - font face à des problèmes du monde réel dans leur vie personnelle : et c'est ce qui les rend comme nous. Les super-héros de Marvel portent des costumes qui symbolisent leur personnalité, leurs pouvoirs, leur force et leurs convictions. Les objets qu'ils utilisent ont aussi une signification : le bouclier rouge, blanc et bleu de Captain America représente le fait qu'il a protégé les États-Unis pendant la seconde Guerre mondiale (et ultérieurement). Mjöllnir, le marteau enchanté de Thor, ne peut être manié que par les personnes intègres et dotées d'une grande moralité.
Les personnages de Marvel ont « remodelé les super-héros pour une nouvelle ère », remarque Bob Iger, PDG de The Walt Disney Company, « en élargissant considérablement leur intérêt pour les fans de tous genres, de toutes les générations et de toutes les zones géographiques, établissant ainsi de nouvelles normes pour une narration captivante. » 

Black Panther – Captain Marvel

bouclier de Captain America

 

casques 

casque de Loki – casque de La Guêpe de Ant-Man et La Guêpe

 

casque d’Iron Man – casque de Star Lord des Gardiens de la galaxie

 

casque d’Ajak des Éternels – casque de Thor 

La magie du son et de la lumière

Le son et la musique sont essentiels à la tradition des histoires contées par Disney. La musique permet au public de se connecter à la narration à un niveau très profond. Les dialogues et les personnages parlent à notre esprit, mais les paysages sonores et la musique d'ambiance parlent à notre cœur.
Au cours d'une réunion à propos de l'histoire de Blanche-Neige et les Sept Nains (1937), Walt Disney a déclaré : « Il faut définir un nouveau modèle... une nouvelle façon d'utiliser la musique, de l'intégrer vraiment à l'histoire, afin que les personnages ne se mettent pas à chanter sans raison. » Suivant cette orientation, les chansons révèlent la personnalité des personnages, partagent leurs dialogues intérieurs et font avancer l'histoire.
Le compositeur et Disney Legend Alan Menken a déclaré : « Les passages musicaux expriment souvent l'ambition et le rêve. Ariel veut faire partie du monde terrestre. Belle veut plus que sa "vie provinciale". »
Disney célèbre la créativité artistique inspirée par la musique. « Fantasia m'a fait prendre conscience de l'importance de la musique classique », a déclaré Alan Menken, « offrant des images qui se marient merveilleusement avec la musique. »
Le son et la musique renforcent la narration des parcs Disney. Les harmonies d'un quatuor de barbiers sur Main Street U.S.A., les rugissements d'animaux dans l'attraction Jungle Cruise, le siffle­ment des machines du Disneyland Railroad, la cloche du bateau à moteur... Les sons des parcs à thème transportent les visiteurs dans d'autres mondes.
De la chanson pleine d'espoir « Quand on prie la bonne étoile » de Pinocchio (1940) à l'hymne d'ac­complissement de soi d'Elsa, « Libérée, délivrée » de La Reine des neiges (2013), Il y a une chanson Disney pour chaque émotion ou chaque humeur. Elles approfondissent l'expérience du public et sa connexion aux personnages. Les chansons et musiques de Disney quittent l'écran et s'invitent dans nos maisons sur disques, cassettes, CD et autres services de streaming. Elles sont passées des salles de cinéma aux scènes de Broadway. Elles sont chantées et entendues dans de nombreuses langues, et presque tout autour du globe. Pendant près de 100 ans, tout simplement, la musique de Disney a été la bande-son de nos vies. 

la magie du son et de la musique

Il était une fois (2007)

Dans le royaume animé d'Andalasia, la jeune Giselle rencontre le prince Edward, et ils tombent instantanément amoureux. La « méchante belle-mère du prince bannit Giselle dans un endroit qui ne connaît pas les fins heureuses : la ville réelle de New York, de nos jours.
Le défi qu'ont rencontré le compositeur et Disney Legend Alan Menken et le paro­lier Stephen Schwartz a été de parodier la musique traditionnelle des dessins animés tout en restant un hommage sincère aux films clas­siques de Disney.
Dans la vie réelle, le personnage de Giselle reste une héroïne animée d'un classique de Walt Disney : innocente et optimiste. Chaque moment clé ou émotion qu'elle ressent est exprimé en chanson. Au grand désarroi de son hôte, Robert, qui proteste en vain : « Ne chan­tez pas, faisons quelques pas. » Pour s'inspirer, Menken et Schwartz ont étudié les chansons de Blanche-Neige et les Sept Nains (1937), Cendrillon (1950) et La Belle au bois dormant (1959). Stephen Schwartz admet : « “Travailler bien en chantant" s'inspire évidemment de Blanche-Neige et de "Siffler en travaillant" dans la scène où ils font la vaisselle... Il y a une petite référence aux souris de Cendrillon, mais c'est principalement Blanche-Neige. » Il note qu'ils se sont aussi parodiés eux-mêmes : « "Comment savoir" est un renvoi à un numéro de production Disney qui a commencé lorsque Alan travaillait avec Howard Ashman sur "Sous l'océan" et "C'est la fête". » 

objets dans Il était une fois

La magie des effets sonores

Le son synchronisé aux actions à l'écran améliore la crédibilité de l'histoire racontée, et immerge les personnages et le public dans le moment présent. Lors de la première de Steamboat Willie (1928), le court métrage a immédiatement fait sensation. Il a été acclamé à la fois pour ses charmants personnages et l'utilisation d'un son entièrement synchronisé.
Disney possède l'une des bibliothèques d'ef­fets sonores les plus élaborées et impression­nantes de l'histoire des films d'animation. La plus grande partie a été créée et assemblée par Jimmy MacDonald. Arrivé chez Disney en 1934 pour une simple session d'enregistrement, il est finalement devenu membre du département des effets sonores qui venait d'être créé. Il n'y a pas un son qu'il ne pouvait pas créer, soit avec des instruments traditionnels, les plus de 500 acces­soires qu'il a fabriqués « à la façon de Rube Goldberg », soit avec sa propre voix. Imaginez le son du scintillement d'une toile d'araignée, la marche d'une fourmi, le coassement d'une grenouille ou le bourdonnement d'une abeille : tous ces sons ont été créés par Jimmy MacDonald et ses gadgets. Jimmy MacDonald était la deuxième voix officielle de Mickey Mouse (après Walt). Il a commencé par remplacer Walt Disney à l'occasion puis a véritablement pris sa place lorsque « le patron » est devenu trop occupé pour participer aux sessions d'enreg­istrement. Dans les années 1970, il est devenu le mentor d'un jeune éditeur d'effets sonores et artiste de bruitage, Wayne Allwine, qui est devenu la troisième voix officielle de Mickey. Jimmy MacDonald et Wayne Allwine ont été nommés Disney Legends pour leur contribution majeure à The Walt Disney Company. 

sifflet , dispositif d’effet sonore pour Steamboat Willie de 1928 –
bouteille en verre, dispositif d’effet sonore pour les pioches des nains dans la mine de diamants pour Blanche-Neige et les sept nains de 1937

 

carillons pour les effets sonores de la fée Clochette dans Peter Pan de 1953 -
Mouseguitar pour Mickey Mouse Club

       

Mufasa dans Le Roi lion The Broadway Musical depuis 1997 – Oscar du mérite pour Au pays des ours de 1953

 

albums des musiques des dessins animés 

Disneynature

S'appuyant sur l'héritage des True-Life Adventures, Disneynature a été fondé en 2008, réunissant les meilleurs réalisateurs et réalisa­trices de films sur la nature ainsi que des narrateurs de renom pour créer des films documentaires qui permettent de sensibiliser le public et collecter des fonds pour continuer les efforts de préservation à l'échelle mondiale.
Généralement sortis en salle le Jour de la Terre chaque année depuis 2009 (et célébrés pendant le Mois de la Terre en avril), les films Disneynature reversent une partie des recettes du premier jour de vente des billets à une campagne de protection de la nature associée au sujet du film.
L'éminente primatologue et anthropologue Jane Goodall, fondatrice de l'institut Jane Goodall et messagère de la paix des Nations unies, a été l'ambassadrice mondiale de Disneynature, travaillant avec The Walt Disney Company pour promouvoir l'importance des zones protégées et de la préservation des habi­tats et des ressources naturelles dont nous — les humains autant que les animaux - avons besoin. Elle explique que les animaux doivent être compris selon leurs conditions et note - peut-être à l'étonnement des cinéastes - qu'une histoire entière peut naître de ce qui se passe lorsqu'ils observent et photographient les animaux pendant les trois années que peut durer un tournage. « C'est magique », explique-t-elle. « Bien sûr, nous devons traiter [les animaux] avec respect... nous devons compren­dre que nous faisons partie du règne animal et que nous ne sommes pas séparés d'eux. » 

Walt en Amérique du Sud

 

Le monde autour de nous

 

Disneynature

L’art du storyboarding

Conçu par Disney dans les années 1930 comme technique d'animation pour développer des histoires, le storyboarding (ou scénarimage) présente une séquence de dessins dans un ordre consécutif pour cartographier l'histoire et donner le rythme d'une scène : c'est comme suivre une histoire dans une bande dessinée. Walt Disney lui-même a décrit la création du processus de storyboarding, né dans le bureau du dessi­nateur Webb Smith : « Nous étions assis dans son bureau le matin et nous pensions à des gags. Disons que Pluto chassait une chenille. Vous aviez des plans de lui qui suivait la trace en montant et descendant une colline, puis des plans de la chenille sur le nez ou la queue du chien. Après le déjeuner, je suis repassé par le bureau de Webb et il avait dessiné toute la séquence sur des feuilles de papier. Elles étaient éparpillées dans toute la pièce, sur les bureaux, sur le sol... partout où il y avait un peu de place. C'était devenu trop difficile à suivre. Nous avons décidé d'épingler tous les dessins au mur dans le bon ordre. C'était notre premier storyboard. »
En visualisant l'histoire graphiquement en séquences, il est facile de détecter si les scènes doivent être réordonnées pour mieux racon­ter l'histoire. Initialement, les dessins étaient épinglés sur de grands panneaux (appelés storyboards). Aujourd'hui, le storyboarding se fait sur ordinateur. Le storyboarding est une pratique normalisée dans l'industrie cinémato­graphique, que ce soit en prises de vue réelles, dans les films commerciaux ou en animation. 

panneaux de storyboarding

Personnage audio-animatronics

À Paris, en 1949, Walt Disney fut envoûté par les jouets mécaniques à remonter, et il a commencé à penser à des personnages animés en trois dimensions. Il a demandé à quelques machin­istes et techniciens de démonter un oiseau chantant mécanique pour voir comment cela fonctionnait. Ce fut le début du « Project Little Man ». Le sculpteur Chartes Cristadoro, qui travaillait dans l'atelier de modélisation, a produit quelques bustes humains miniatures du comédien Buddy Ebsen et de certains membres du personnel des studios, y compris l'anima­teur Ward Kimball. En utilisant des caméras et des câbles, ils ont tenté de les faire bouger. Le projet a été mis en pause pour se concentrer sur la construction de Disneyland.
Après l'ouverture du parc, Walt a déterré l'idée pour faire avancer l'art de l'animation en trois dimensions, ce qui a amené à développer la technologie AUDIO-ANIMATRONICS®. Bien que l'une de ses grandes ambitions était de créer une « Galerie des Présidents », une attraction qui mettrait en vedette le 16ème président des États-Unis, Abraham Lincoln, Disney a commencé par un projet un peu moins complexe : les oiseaux et les fleurs qui chantent de l'attraction Walt Disney's Enchanted Tiki Room (1963). Le président Lincoln a vu le jour l'année suivante lors de l'exposition univer­selle de New York 1964-1965.
Les Imagineers d'aujourd'hui ont développé une nouvelle ère de la technologie AUDIO-ANIMATRONICS® avec des personnages robotisés qui font des acrobaties dans les airs, les Stuntronics, et les Autonomatronics inter­actifs, des personnages qui peuvent faire des choix sur ce qu'ils disent et font. 

oiseau automate en cage fabriqué par Bonhems vers 1890-1910 

composants audio-animatronics – tête électrique audio-aniatronics

 

contrôle électrique d’animation d’audio-animatronics et main électrique audio-animatronics -
console de programmation d’animation audio-animatronics des années 1970-1990

Un dessin légendaire

Un samedi, fin septembre 1953, Walt Disney avait donné rendez-vous à l'artiste Herb Ryman, l'un des directeurs artistiques ayant travaillé sur Fantasia (1940) et Dumbo (1941). Herb Ryman se souvient que Walt l'attendait à l'extérieur des studios lorsqu'il est arrivé et lui a dit de but en blanc : « Nous allons créer un parc d'attractions. » Bien que l'idée lui parût intéressante, l'artiste ne comprenait pas pourquoi il était concerné. « Mon frère Roy doit aller à New York lundi matin », a expliqué Walt. « Vous savez que les banqui­ers n'ont aucune imagination... Roy doit pouvoir leur montrer à quoi cet endroit va ressem­bler. » Herb Ryman devait assembler les idées de Walt en un dessin qui permettrait à Roy d'obtenir le financement nécessaire à la construction de Disneyland.
Ryman ne voulait pas décevoir Walt et a accepté de passer le week-end aux studios pour illustrer le premier visuel de Disneyland, à condition que Walt travaille avec lui et lui four­nisse des détails sur le parc qu'il avait en tête. Ils ont travaillé ensemble tout le week-end, pour terminer le dimanche tard dans la nuit. Le dessin était prêt avant que Roy ne s'envole pour New York le lundi matin. (Le plan du parc sera ajouté par l'Imagineer Marvin Davis. Les deux artistes, Ryman et Davis, ont été nommés Disney Legends.) 

un dessin légendaire

Un parc magique

Pendant qu'il explorait l'animation dimensionnelle. Walt Disney a anticipé le développement d'un spectacle itinérant de scènes animées mécaniquement pour faire plaisir au public et l’a appelé “Disneylandia”. En même temps, il pensait créer un train a taille réelle autour d'un petit parc, peut-être sur une propriété de l'entreprise de l’autre côté de la rue. Son idée a germé, et il a finalement fondé une société individuelle, WED Enterprises (dérivé des Initiales de son nom. Walter E. Disney), pour travailler sur son dernier rêve en date : un parc d’attractions qu'on appellerait plus tard “Disneyland”. Il a commencé avec une petite équipe, issue du personnel de son entreprise de film d’animation. Il a engagé un cabinet d'architectes pour établir les plans initiaux, basés sur les concepts de ses artistes, mais en quelques mois, il était clair que Disneyland serait une expérience de divertissement que seul WED pourrait gérer.
Le Disneyland de Walt serait un lieu dédié à l’imagination où les visiteurs seraient immergés dans un environnement confortable et chaleu­reux, où la réalité du monde extérieur ne pour­rait pas les atteindre.

un parc magique

Un jour dans les parcs

Les samedis étaient les « journées avec papa » de Walt Disney lorsque ses filles étaient jeunes : il les emmenait au manège pendant qu'il s'asseyait sur un banc en mangeant des cacahuètes. « À être assis là, seul », se souvenait-il, « je sentais qu'il y avait quelque chose à construire, comme une entreprise de divertissement le ferait, un lieu où les parents et les enfants pourraient s'amuser ensemble. »
C'était le début d'une idée bien différente des parcs d'attractions habituels avec simplement des manèges et des jeux. Ce serait un endroit où les visi­teurs entreraient directement dans les histoires et vivraient des aventures parfois familières, parfois entièrement nouvelles.
En juillet 1955, lors de l'ouverture du Disneyland® Park à Anaheim, en Californie, l'idée de Walt d'une expérience de divertissement à thème très bien conçue est devenue un phénomène mondial. « Disneyland ne sera jamais terminé », a-t-il promis à ses visiteurs. « Il continuera à grandir tant qu'il y aura de l'imagination dans le monde. » Onze ans plus tard, lors de l'annonce du projet qui deviendrait Walt Disney World® Resort, il a déclaré : « Ici, en Floride, nous avons quelque chose de spécial... de la place. Il y a assez de terre pour faire contenir toutes les idées et tous les plans possibles et imaginables. »
Les Imagineers d'aujourd'hui continuent de respecter la promesse de Walt de construire et faire grandir ses parcs de type Disneyland. Ils célèbrent les récits que nous connaissons bien tout en imaginant et concevant de nouvelles aventures et histoires... en inventant de nouvelles manières spectaculaires de les raconter. Disneyland et les autres resorts et parcs à thème Disney du monde entier offrent de nouveaux souvenirs à des millions de visiteurs de tous âges qui, à l'intérieur du parc, deviennent les héros de leurs propres aventures Disney.
« Je pense que ce que je souhaite avant tout, c'est que Disneyland soit un endroit de bonheur - un endroit où adultes et enfants puissent expérimenter ensemble les merveilles de la vie, de l'aventure... et se sentent mieux grâce à cela. » — Walt Disney

Les débuts de l’aménagement du parc

Les idées fusaient et, rapidement, le petit terrain appartenant à Disney près des studios n'a plus suffi. Walt engagea l'institut de recher­che de Stanford pour chercher discrètement des emplacements pour son futur parc et décida qu'Anaheim était le site le plus approprié. Entre­temps, il a recruté des artistes Disney qui termi­naient leurs projets en cours, ainsi que d'autres collègues, du secteur cinématographique et en dehors, pour travailler sur le projet.
Walt a emprunté sur son assurance-vie, vendu sa maison de vacances et s'est associé au réseau de télévision ABC pour créer une émission hebdomadaire d'une heure comprenant des dessins animés, des longs métrages divisés en épisodes et de nouveaux programmes, dont des rapports réguliers sur l'avancement du dévelop­pement de Disneyland.
Les téléspectateurs du pays étaient captivés et impatients de découvrir cette nouvelle aventure Disney, Walt partageant des œuvres d'art et les coulisses de la construction du parc. Les artistes de Disney ont utilisé leur expérience cinémato­graphique pour capter et diriger l'attention des visiteurs. Un concepteur a déclaré : « Lorsque nous avons commencé à concevoir Disneyland, nous l'avons considéré comme un film. Nous devions raconter une histoire, ou plutôt une série d'histoires... Nous avons conçu l'ensemble du parc de manière à ce qu'aucun visiteur ne puisse manquer la première ou la deuxième scène. A partir du moment où [un visiteur] entrait dans notre "cinéma", c'est-à-dire passait la grande porte d'entrée, la première scène commençait… » 

Disneyland 

objets de Disneyland : badge d’employé #1, carte de stationnement, carnet de coupons d’entrée et guide de Disneyland 

modèle du château de Cendrillon – attraction de Disneyland Disney 100 

attractions de Disneyland

 

poupée audio-animatronics de It’s a small world -
personnage du Red Demon de Mr Toad’s Wild Ride

 

automobile miniature dans Adventure Thru Inner Space -
costume de Minnie pour le 50ème anniversaire de Disneyland

 

attraction de Disneyland 

Nous ne faisons que commencer

En 1956, il a été demandé à Walt Disney d'imaginer ce que le divertissement serait dans le futur, il écrivait : « Les gens auront besoin et demanderont à s'amuser, se relaxer et sortir de leurs tâches quotidiennes. » Il était persuadé que Disney pourrait jouer un rôle. Il a dit plus tard : « Il me semble que nous avons encore beaucoup d'histoires à raconter. »
La philosophie de Walt Disney est au cœur de la narration et des expériences Disney : raconter des histoires qui ont du sens, créer des personnages attachants, faire appel à l'esprit d'aventure et de découverte, apprécier les merveilles du monde qui nous entoure, ressentir la magie de la musique, l'ex­citation d'expérimenter et d'innover.
« Depuis les débuts de Disney sous la direction de Walt, la technologie a toujours été vue comme un outil puissant pour raconter les histoires », explique Robert A. Iger, PDG de The Walt Disney Company. « Une excellente narration reste la base d'un excel­lent divertissement. Bientôt, la fusion de la technol­ogie et de la créativité nous permettra d'offrir des expériences inimaginables... Je partage l'optimisme de Walt Disney et sa conviction que, peu importe ce qui nous attend, cela sera déterminé par une excel­lente narration. Comme cela l'a toujours été. »
La manière dont Disney raconte les histoires est inspirante et magique. Elle fait rire et pleurer, espérer et rêver. Elle vous donne l'espoir d'un monde meilleur, un monde de possibilités que vous n'osiez pas imaginer.
À l'occasion de son 100ème anniversaire, The Walt Disney Company médite sur le chemin parcouru. Toutefois, nous regardons vers l'avenir, et nous cherchons de nouvelles façons de donner vie aux histoires, et d'impliquer, ravir et émouvoir notre public. Nous ne nous reposerons pas sur les succès passés mais, comme Walt l'a dit un jour à son équipe : « Je veux vous laisser avec cette pensée que ce n'était qu'une sorte de répétition générale, et que nous ne faisons que commencer. »

Mickey – Dingo

 

Walt Disney et Mickey